Revista FV - Fotovídeo Actualidad

“Desde Tokyo Blues hasta Gritos Sordos”, de Miguel Rio Branco, en el Centro Niemeyer

El Centro Niemeyer (Avenida del Zinc, s/n, Avilés, Asturias) exhibirá la muestra titulada “Desde Tokyo Blues hasta Gritos Sordos”, del fotógrafo brasileño Miguel Rio Branco (1946), desde el 28 de junio hasta el 3 de noviembre de 2024.

Un viaje al Japón
El origen de este proyecto se encuentra en un viaje de Rio Branco a Japón, cuyo arte admira mucho Miguel Rio Branco.
Las imágenes de la primera parte del proyecto provienen del trabajo realizado por Rio Branco en paralelo con el fotógrafo japonés Daido Moriyama (1938), que mantienen visiones fotográficas muy distintas. Mientras que uno es más cinematográfico, el otro resulta más simbólico, meditativo, pictórico.
Entre los trabajos expuestos podemos destacar “Tokyo Long Neck”, una obra de gran complejidad que ocupará 17 metros de la sala de exposición, y que para Rio Branco representa la síntesis de lo que sintió por Japón en aquel momento.
“Hago conexiones entre imágenes, ya representen ellas a personas, a objetos o a lugares; son construcciones con fotografías que pueden ser o no de un mismo lugar y tiempo. Se trata de crear un discurso con imágenes, con piezas atemporales donde lo documental no impera más que el documental, sino que existe lo simbólico, la poesía, la visión personal (…). Este espacio curvo del montaje lleva a nuevas lecturas que considero que tal vez sea más fluido. Son creados varios diálogos: vida y muerte, Occidente y Oriente, sol y sombra, nuevas tensiones, nuevos ritmos…, una danza barroca que nos lleva al Auditorio donde tal vez se esté interpretando un Réquiem de Mozart”, comenta Miguel Rio Branco.

Para más información: https://www.centroniemeyer.es/

Exposiciones de Consuelo Kanaga y David Goldblatt, en la Fundación Mapfre de Madrid

La sala de exposiciones de la Fundación Mapfre, en Madrid (Paseo de Recoletos, 23), presenta, hasta el 25 de agosto de 2024, sendas exposiciones de la norteamericana Consuelo Kanaga (1894-1978) y el sudafricano David Goldblatt (1930-2018).
A pesar de ser fotógrafos que pertenecen a generaciones fotográficas muy distintas, su sutil visión del mundo y sus problemas los hacen extraordinariamente cercanos. Ambas exposiciones, que forman parte de la sección oficial de PhotoEspaña 2024, establecen un singular diálogo, que satisfará a los aficionados al arte de la fotografía.

Consuelo Kanaga
Tras su paso por el Centro de Fotografía KBr, que Fundación Mapfre tiene en Barcelona, y antes de viajar a Nueva York, la exposición titulada “Atrapar el espíritu”, dedicada a la obra de la fotógrafa norteamericana Consuelo Kanaga, recala en Madrid. Kanaga tuvo una carrera fulgurante y su trabajo, que empezó en el reporterismo gráfico, fue muy apreciado hasta la segunda mitad de su vida, en la que trabajos alimenticios le alejaron del merecido lugar que había alcanzado. Con el paso de tiempo, su figura ha quedado algo oscurecida y olvidada, por lo que esta exposición retrospectiva, la primera que se le dedica en Europa, de Fundación Mapfre, viene a ponerla en su sitio.
Consuelo Kanaga fue una fotógrafa comprometida con los movimientos de izquierdas —perteneció a la Photo League—, fue precursora del movimiento de vanguardia y luchó contra los estereotipos y contra el racismo. Su fotografía, aunque combativa, es de lo más sutil. No es efectista, pero resulta conmovedora. Tan conmovedora como profunda en sus retratos. No sólo los de personajes anónimos, sino también los que hizo de artistas durante los años treinta y cuarenta, cuando empieza a decaer.

David Goldblatt
De David Goldblatt podíamos decir algo parecido a lo indicado sobre Consuelo Kanaga. Su fotografía denuncia la vergüenza del apartheid (segregación entre razas en Sudáfrica, entre 1948 y 1992), pero no retratando violencia explícita, sino aquella más soterrada, que se siente en las tripas y que obliga a pensar. De hecho, en cierto sentido como Kanaga, no fue lo bastante comprendido por sus coetáneos, que le tacharon de tibio, o no lo bastante directo, con el apartheid.
Judy Ditner, conservadora asociada de Fotografía y Medios Digitales en la Galería de Arte de la Universidad de Yale y Leslie M. Wilson, directora asociada de Compromiso Académico e Investigación del Instituto de Arte de Chicago, comisarias ambas de la exposición, han optado por realizar un recorrido temático no cronológico, que hubiera sido muy sencillo, dados los numerosos libros que publicó Goldblatt. En forma de diálogo entre imágenes de distintas épocas, tanto en color como en blanco y negro.
El nombre del la exposición, “Segundas intenciones”, hace referencia a la coletilla que ponía en los anuncios para buscar posibles modelos a los que fotografiar.

Para más información: https://www.fundacionmapfre.org/arte-y-cultura/exposiciones/sala-recoletos/david-goldblatt/

“De arroyos, bosques y torrentes”, de Javier Vallhonrat, en el Campo del Moro

Hasta el 29 de septiembre de 2024 se podrá ver en los jardines del Campo de Moro de Madrid (Paseo de la Virgen del Puerto, 1) una exposición al aire libre de Javier Vallhonrat, titulada “De arroyos, bosques y torrentes”, dedicada al Real Sitio de La Granja de San Ildefonso, ubicado en Segovia. Se trata del primero de tres “Cuadernos campo”, que, en las ediciones de 2024, 2025 y 2026 del festival PhotoEspaña, mostrarán el trabajo de fotógrafos de reconocido prestigio relacionado con los espacios naturales de los Reales Sitios, gestionados por Patrimonio Nacional.

El primer trabajo de un proyecto de tres
Javier Vallhonrat (1953), Premio Nacional de Fotografía en 1995, ha sido el primero de los tres fotógrafos que realizarán los cuadernos de campo. PhotoEspaña no ha desvelado aún quienes son los otros dos fotógrafos que han recibido el encargo del festival sobre los espacios naturales de los Reales Sitios, ni tampoco a cuales de ellos estarán dedicados sus trabajos fotográficos.
El espacio elegido para la edición de este año ha sido el Real Sitio de La Granja de San Ildefonso, que celebra en 2024 los trecientos años de la finalización de su construcción. Aunque, como ha confesado María Santoya, directora de PhotoEspaña, ha sido por una afortunada coincidencia.
El proyecto está gestionado a tres bandas por PhotoEspaña, Patrimonio Nacional y Acciona, empresa española de promoción y gestión de infraestructuras y energías renovables.

De arroyos, bosques y torrentes
El trabajo de Vallhonrat en La Granja ha sido resultado de una cuidadosa observación, más allá de las conocidas fuentes y jardines franceses, por los que es famoso el palacio. Se ha centrado en la naturaleza que rodea este paisaje segoviano, a los pies de Peñalara, la montaña más alta de la Sierra de Guadarrama, desde donde descienden los arroyos que alimentan de aguas purísimas los ingenios que se encargan de acumularlas, encauzarlas y, finalmente, alimentar esas fuentes.
Las imágenes, que ahora se pueden ver en el Campo del Moro en grandes ampliaciones, pero que a partir de finales de septiembre viajarán a los jardines de La Granja, se centran en detalles a modo de metáforas, ya que “La naturaleza no es sólo paisaje”. Se trata del entorno natural con su sangre, que es el agua, y corre por sus venas, que son los arroyos, que llenan de vida ese idílico paisaje natural serrano, en el que, a su vez, se integran los elementos que, creados por ingenio del hombre, ponen orden en la naturaleza, transformando el caos en cosmos.
La obra expuesta se complementa con una proyección audiovisual en 360° en el llamado cubo inmersivo, que está situado en la planta 3 de la Galería de las Colecciones Reales del Palacio Real. El montaje y el sonido han estado a cargo de Pablo Vallhonrat, hijo del artista.

Una mirada que exige meditar
Vallhonrat ha hecho todas las fotos con su vieja Linhoff de gran formato, que se alimenta de placas de 4 x 5 pulgadas (10,16 x 12,7 cm). Realmente un engorro para moverse por la naturaleza. Es pesada y precisa de trípode, los chasis con las placas abultan mucho, es necesario llevar un fotómetro de mano y un trapo para poder enfocar y encuadrar… Pero no se trata de una elección técnica, sino estética. Cuando le preguntamos el por qué de su uso nos respondió que sería muy prolijo de explicar, pero lo resumió en una frase: “Una mirada que exige meditar”.

Para más información: https://www.patrimonionacional.es/actualidad/exposiciones/cuadernos-de-campo-2024-javier-vallhonrat

Boris Savelev, Premio PhotoEspaña 2024

PhotoEspaña ha otorgado el premio de su vigesimoséptima edición al fotógrafo de origen ucraniano Boris Savelev (Chernivtsi, Ucrania, 1947), con el que PhotoEspaña “quiere rendir tributo a las seis décadas de carrera activa de Boris Savelev, su forma de aproximarse a la fotografía y su particular mirada sobre las ciudades que ha recorrido a lo largo de su carrera”.

Viewfinder – Una forma de mirar
El acto de entrega ha tenido lugar en el Espacio Cultural Serrería Belga (Alameda 15, Madrid), donde se podrá ver hasta el 14 de julio de 2024 la gran exposición retrospectiva dedicada a este autor, titulada “Viewfinder – Una forma de mirar”.
Esta muestra, cuyo comisario es Adam Lowe (1959), recorre los sesenta años de carrera de Savelev, desde sus inicios en blanco y negro a principios de los años sesenta, en lo que entonces era la Unión Soviética, hasta las más recientes de la ciudad de Vigo, donde vive ahora, desde que tuviese que abandonar su Ucrania natal debido a la invasión del país por las tropas de Putin.
En esta exposición resulta tan importante el fondo, la imagen fotográfica, como la forma, la manera en que se han reproducido las imágenes. La mayoría de las copias realizadas para esta exposición tienen como soporte un sustrato de aluminio sobre el que una impresora de inyección de tinta especialmente desarrollada ha ido depositando sucesivas capas de color, que finalmente se enceran y se pulen. Este sistema, desarrollado por Factum Arte, genera unas copias únicas con una textura de color e iluminación que son difícilmente reproducibles por cualquier otro medio mecánico, por lo que visitar la exposición se convierte en una experiencia singular.

Del anonimato en la Unión Soviética, al triunfo en Occidente
Boris Savelev se hizo conocido en Occidente a finales los años ochenta, poco antes de la disolución de la Unión Soviética, gracias a la labor de la editorial británica Thames & Hudson, que por aquella época buscaba fotógrafos soviéticos fuera de los circuitos oficiales. Savelev resultó un gran hallazgo, por su mirada más bien occidental, comparable quizá a Eugène Atget, Walker Evans, Lee Friedlander o Aleksandr Ródchenko, como indicó él mismo en una ocasión. La editorial británica publicó en 1988 el libro “Ciudad secreta: fotografías de la URSS”, lo que supuso una gran oportunidad, que el fotógrafo no desaprovechó, para construir una sólida obra que se extiende hasta nuestros días, centrado en las calles y en los detalles de las ciudades. En palabras del comisario de la muestra, Adam Lowe: “Ciertas ciudades se han convertido en elementos fundamentales en su búsqueda por revelar la fragilidad del tejido urbano: Chernivtsi, Moscú, San Petersburgo, Nueva York, Londres, Madrid, Dresde, Bonn, Wuppertal, Yalta, Southampton y Vigo han servido de telón de fondo a su hambrienta, pero generosa percepción”.
Adam Lowe, comisario de la exposición, es director de Factum Arte y fundador de la Fundación Factum para la Tecnología Digital en la Conservación, entidad especializada en la recreación precisa de obras artísticas y en la producción de obras con y para artistas contemporáneos.

Para más información: https://www.serreria-belga.es/actividades/phe-24-boris-savelev-viewfinder-una-forma-de-mirar

“Las hijas de Minerva”, de Alejandría Cinque y Laura San Segundo, en el Museo del Romanticismo

Coincidiendo con el centenario del Museo del Romanticismo (Calle San Mateo, 13, Madrid), PhotoEspaña lo ha elegido para exponer la singular propuesta artística de Alejandría Cinque y Laura San Segundo, titulada “Las hijas de Minerva”. En ella se realiza una lectura de un salón del museo, con un proyecto específicamente concebido para él, y que tendrá continuación en el tiempo, con actividades paralelas o complementarias, más allá del fin de su exhibición, el 29 de septiembre de 2024.

Dos jóvenes artistas
Alejandría Cinque y Laura San Segundo son dos jóvenes artistas, ambos nacidos en 1990, que pertenecen a una generación plenamente desarrollada en el siglo XXI, pero a que a pesar de ello han mantenido una carrera coherente y exitosa.
PhotoEspaña, en colaboración con el Museo del Romanticismo, que viene cooperando como sede oficial del festival desde 2012, encargó el desarrollo de un proyecto específico para la edición de 2024, que se concretó en “Las hijas de Minerva”.

“Las hijas de Minerva”
Ese título hace referencia a un poema del escritor romántico Lord Byron, uno de cuyos versos están dedicados a las mujeres españolas, de quien dice: “marcha con la bizarría de Minerva por donde el mismo Marte no podría hacerlo sin temor”.
Alejandría Cinque y Laura San Segundo construyen un recorrido fotográfico, lleno de referencias y simbolismo, en la sala aledaña a la de billar del museo. En ella, las mujeres no podían participar más que como meras espectadoras, razón por la que están representadas sólo en los cuadros que cuelgan de sus paredes. Las mujeres de la exposición fotográfica, por el contrario, son protagonistas y convierten la partida de billar en un campo de batalla por su emancipación, donde prima la perspectiva de género.
En definitiva, el Museo del Romanticismo se convierte así no sólo en el lugar donde se exhibe el arte clásico y las costumbres del siglo XIX, sino en generador de lo que será el arte clásico en el futuro.

Para más información: https://www.cultura.gob.es/mromanticismo/actividades/exposiciones/actuales.html

Gonzalo Juanes, en la Sala Canal de Isabel II

Hasta el 21 de julio de 2024, y dentro de la vigésimo séptima edición de PhotoEspaña, se podrá ver en la Sala Canal de Isabel II (Santa Engracia 125, Madrid) una gran exposición titulada “Una incierta luz”, que rinde homenaje al fotógrafo gijonés Gonzalo Juanes Cifuentes (1923-2014).

Un verso suelto
A pesar de haber pertenecido al grupo AFAL, Agrupación fotográfica almeriense, Gonzalo Juanes siempre fue un verso suelto, al verse alejado tanto por temática como por técnica fotográfica. Juanes hacía principalmente diapositivas en color, a diferencia del resto de miembros del grupo y, desde luego, de salonismo que AFAL venían a derribar.
Como la mayor parte de los miembros del grupo AFAL -inicialmente todos-, Gonzalo Juanes no era, ni fue nunca, un fotógrafo profesional, sino un enamorado de la fotografía. Precisamente, no ser profesionales les daba una tremenda independencia, ya que no se veían obligados a fotografiar lo que podían vender, sino lo que realmente les importaba, apetecía o satisfacía sus necesidades artísticas. Probablemente, Gonzalo Juanes sea el que más.
Además de su poco difundido trabajo fotográfico, realizó una gran labor teórica sobre la obra de fotógrafos extranjeros, que en aquella época era prácticamente desconocidos en España.

Una incierta luz
La exposición, cuyo comisario es Chema Conesa, se articula en las pocas fotos que se han conservado en blanco negro de su primera época y se complementa con un nicho dedicado al Kodachrome, que sería la película de diapositivas que utilizaría básicamente para todo su trabajo en color. Se exhiben fotos de sus primeros rollos de color en Asturias, además de su mítica serie sobre la calle Serrano de Madrid. Un trabajo realizado casi por casualidad, y a total trasmano del estilo temático de sus compañeros de AFAL. Finalmente, se muestran las fotos en blanco y negro de los años noventa, positivadas por un profesional del revelado, ya que Juanes tenía aversión al laboratorio, y también las de su posterior vuelta al color.
Las fotos de Juanes se pueden calificar de atemporales, ya que más que contar historias se centran en momentos de la vida.
En palabras del comisario de la exposición: “La obra de Gonzalo Juanes merece ser conocida, porque es poco conocida. Sus fotos se basan en la coherencia y en la intencionalidad”. Eso es lo que hace de ellas grandes fotos.

Para más información: https://www.comunidad.madrid/actividades/2024/exposicion-gonzalo-juanes-incierta-luz

La exposiciones “Perpetuum Mobile” y la dedicada al japonés Masahisa Fukase, en el Círculo de Bellas Artes

“El Círculo de Bellas Artes es el corazón del festival”, declaraba Valerio Rocco, director del CBA, refiriéndose a PhotoEspaña, en la presentación de la exposición colectiva “Perpetuum Mobile” (Movimiento perpetuo). Dicho nombre es también el lema de la edición de este año de PhotoEspaña. Además, la exposición “Ravens” (Cuervos) muestra una serie de fotografías del japonés Masahisa Fukase (1934-2012).
Y, efectivamente es como afirma Valerio Rocco. El CBA se ha convertido por mérito propio en uno de los centros nucleares de PhotoEspaña. Hace unos días ya les informamos aquí mismo de la gran exposición dedicada a Cristina García Rodero. Pero desde hace años, a pesar del cambio de directores, el CBA ha venido colaborando con un festival que, tras el fallecimiento el año pasado de su fundador, Alberto Anaut, tiende a reinventarse.

Perpetuum Mobile
La exposición colectiva “Perpetuum Mobile” forma parte de esa reinvención, evolución o movimiento perpetuo en la trayectoria de PhotoEspaña. Se trata de una muestra de la obra de 27 autores, 14 varones y 13 mujeres, que la organización ha denominado como “generación Photoespaña”.
La exposición cuenta con obras de: Roberto Aguirrezabala, Paula Anta, Bego Antón, Patricia Bofill, Alfredo Cáliz, María Cañas, Ricardo Cases, Jon Cazenave, Nicolás Combarro, Soledad Córdoba, Gerardo Custance, Elena de la Rúa, Germán Gómez, Jon Gorospe, Antonio Guerra, Lola Guerrera, Álvaro Laiz, Ira Lombardía, Alejandro Marote, Linarejos Moreno, Marina Núñez, Aitor Ortiz, Juanan Requena, Ixone Sádaba, Mar Sáez, Miguel Ángel Tornero e Irene Zottola.
Muchas de las obras incluidas en la exposición trascienden la bidimensionalidad de la fotografía para transformarse en otra cosa distinta.
En palabras de María Santoyo, directora del festival: “Se trata de una generación cosmopolita, curiosa, librepensadora, más plegada a la experimentación, la narrativa divergente y la creatividad que a las convenciones formales o la puesta en escena tradicional del medio fotográfico”.
Alejandro Castellote, comisario de la exposición y viejo conocido del festival, ya que fue su primer director artístico, además de haber sido director del Área de Fotografía del CBA, ha señalado en la presentación que esta exposición “propone una estructura abierta, una suerte de jardín de especies, que ilustra el ensanchamiento de los límites de la creación fotográfica y las incesantes mutaciones que han ido transformando a lo largo de casi dos siglos el estatuto fundacional del medio: la mímesis de la realidad (…) Cada generación escribe su propia época, su propio relato”. Es la época de la generación PhotoEspaña, pues.

Ravens
La obra personal del japonés Masahisa Fukase estuvo originalmente centrada, durante unos diez años, en fotografiar a su esposa, Yoko Wanibe, con quien se casó en 1964. Aunque su primer libro, llamado “Juego” en japonés, pero que se ha traducido como “Homo Ludens”, no se centra sólo en ella, sino también en el Japón de los años sesenta, con una mirada que no se puede por menos que calificar de inquietante.
Tras su divorcio, Fukase emprendió un viaje a su isla natal, Hokkaido, al norte del archipiélago, donde, en medio de una crisis personal, comenzó la serie que se expone en CBA, “Ravens”. Se trata principalmente de imágenes de cuervos en blanco y negro, aunque no sólo de aves, en una conmovedora reflexión personal.
Esta exposición se podrá ver también a partir del mes de septiembre en el Centro de Documentación de la Imagen de Santander (CDIS).

Para más información: https://www.circulobellasartes.com/exposiciones/

Miguel Trillo: “Equidistancias: Souvenirs/Pasarelas”, en la Sala Sant Miquel de la Fundació Caixa Castelló

Hasta el 13 de julio de 2024 se podrá ver en la Sala Sant Miquel de la Fundació Caixa Castelló (Carrer d'Enmig 17, Castelló de la Plana) la exposición de Miguel Trillo “Equidistancias: Souvenirs/Pasarelas”. Dividida en dos partes, “Souvenirs” que tiene su origen en un proyecto que para su dominical el diario “El País” propuso a Miguel Trillo en 1991, y se muestra aquí el capítulo dedicado a Castelló de la Plana, al que se han añadido más fotos posteriormente realizadas. Por su parte, “Pasarelas” se compone de las fotos hechas por el autor entre 2010 y 2024 en diversas ciudades de distintos lugares del mundo centradas en los asistentes a los desfiles de semanas de la moda de Madrid, Barcelona, Londres, París, Milán, Nueva York, Los Ángeles, Buenos Aires, Tokio, Seúl, Shanghái, Ciudad del Cabo, Casablanca y Sídney, entre otros.

Una larga carrera
Miguel Trillo lleva fotografiando jóvenes desde su propia juventud, en los años setenta. Aunque ha realizado otros muchos trabajos fotográficos, éste es por el es más conocido y donde ha puesto lo mejor de su arte. Actualmente se puede ver también su trabajo relacionado con la época de la Movida en el ámbito de PhotoEspaña dentro de la exposición “Warhol-Vijande, cita en Madrid”, en el Museo Lázaro Galdiano (calle de Serrano 122, Madrid), hasta el 21 de julio de 2024.

Para más información: https://www.fundacioncajacastellon.es/es/miguel-trillo-equidistancias-souvenirs-pasarelas/