Revista FV - Fotovídeo Actualidad

“Marisa Flórez. Un tiempo para mirar (1970-2020)”

Hasta el 20 de julio de 2025, la Sala Canal de Isabel II (calle Santa Engracia 125, Madrid) acoge la exposición “Marisa Flórez. Un tiempo para mirar (1970-2020)”, consistente en una panorámica de la larga carrera de esta reconocida fotógrafa de prensa, de más de cincuenta años.

La historia reciente de España a través de la mirada de Marisa Flórez
Integrada en la Sección Oficial de PHotoEspaña 2025, la muestra presenta más de 184 imágenes —algunas inéditas—, elegidas entre las más de 1.000 fotografías revisadas por la propia Marisa Flórez y por la comisaria Mónica Carabias Álvaro en una primera selección, las cuales documentan y reinterpretan la historia reciente de España a través de la mirada singular de una fotógrafa con un ojo tan perspicaz como el de Marisa Flórez (1948).
La exposición se articula de forma temática en las cuatro plantas de este antiguo depósito de agua del Canal de Isabel II, rehabilitado como sala de exposiciones. A través de sus imágenes, se descubre el lado más íntimo de figuras relevantes del cambio social y político de la España de la Transición, pasando por hitos como la inauguración de la vida parlamentaria, una vez recuperada la democracia, tras la muerte del dictador, o la llegada de un gran símbolo nacional, como “El Guernica” de Picasso.
La obra de Marisa Flórez combina una gran valor patrimonial y documental, al tiempo que demuestra una extraordinaria habilidad para saber encontrar el momento único. Su capacidad para combinar la precisión informativa del fotoperiodismo con una riqueza expresiva y formal convierte su trabajo en arte, sin necesidad de proponérselo.

Estilo inteligente, directo y sencillo
Su estilo se caracteriza por la sencillez, el uso habitual de la luz natural y una técnica sencilla directa, sin artificios formales. Todo ello basado en cualidades como la intuición, la paciencia, la decisión y la valentía, junto a una mirada humana, respetuosa y coherente. Pero, por encima de todo, implica un trabajo previo de estudio y previsión de lo que se podría encontrar a la hora de realizar su trabajo. Como cuando a la llegada de “El Guernica” a España, investigó con precisión todos los puentes de la carretera de Barajas, de forma que se pudiera situar en el más adecuado posible. Algo que realizó el día de su llegada, el 10 de septiembre de 1981, cuando a lomos de una moto conducida por un compañero del diario “El País” siguió a la comitiva que transportaba la pintura del aeropuerto al Casón de Buen Retiro, donde reposó hasta que casi once años después encontró su ubicación definitiva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.
Sus fotos han servido para ilustrar una parte de la historia de España, y mucha de ellas se han convertido en símbolos, como la Susana Estrada (1949), pecho al aire, con quien luego sería alcalde de Madrid, el profesor Enrique Tierno Galván (1918-1986), o Lola Flores (1923-1995) pidiendo una pesetita a cada español, además de lo más granado de la clase política de los últimos cincuenta años.

Fotógrafa pionera
Pionera en el ámbito de la fotografía de prensa, históricamente masculino, Marisa Flórez inició su carrera en 1971 en el diario “Informaciones”, cuyo subdirector, Juan Luis Cebrián, la fichó más adelante para “El País”, que vio la luz en 1976 con él como director. En aquel momento era la única mujer que formaba parte del equipo de fotografía del periódico.
Curiosamente, sería el mismo Cebrián quien se desharía de ella en 2012, junto a otros 148 trabajadores del diario, despedidos o jubilados anticipadamente mediante un expediente de regulación de empleo. En concreto, en aquella ocasión, de los ocho trabajadores de los que se deshizo “El País” en la sección de fotografía, seis eran mujeres. Un dato llamativo que lleva a pensar que, o bien el sector femenino había logrado una notable presencia en la sección o el recorte se cebó especialmente con ellas.
La labor de Marisa Flórez, a quienes sus compañeros de “El País” llamaban cariñosamente “La Flowers”, ha sido reconocida con galardones como el Premio Nacional de Periodismo Gráfico (1981), el Premio de Fotografía Piedad Isla (2015) y el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid (2024).
Esta importante retrospectiva supone un merecido homenaje a su extensa trayectoria profesional y ofrece la oportunidad de apreciar, destilado, el conjunto de una obra tan vasta que resulta casi inabarcable.

Para más información: https://www.comunidad.madrid/actividades/2025/exposicion-marisa-Flórez-tiempo-mirar-1970-2020

Art Photo Bcn 2025

Art Photo Bcn 2025, duodécima edición del festival y feria de fotografía contemporánea de Barcelona, se celebrará del 23 al 25 de mayo de 2025, en el Disseny Hub Barcelona (Plaça de les Glòries Catalanes, 37-38). Este festival se consolida en la Ciudad Condal como un punto de encuentro para el sector profesional, artistas y público general.

Gran presencia femenina
El festival Art Photo Bcn, dirigido por Isabel Lázaro, contará con 24 galerías, espacios expositivos, escuelas y marcas de siete países: España, Alemania, Francia, Hungría, Perú, México y Eslovenia. Esta edición se centra especialmente en artistas que han participado en visionados anteriores y regresan representados por galerías, como es el caso de Àlex Domenech, Bárbara Traver y María Moldes. También estarán presentes galerías habituales como Taché Art Gallery o PH21 Gallery. Destaca la presencia femenina, con más del doble de autoras que autores, en línea con el ánimo del festival de visibilizar a las mujeres en la fotografía contemporánea. Se expondrán obras de Michaela Weber, Rada Akbar, Zanele Muholi, Rosalía Bronstein, Haidé Costa, Oleñka Carrasco y Mapi Rivera, entre otras. Por otra parte, se acentúa la internacionalización del festival con la inclusión de galerías de México, Perú, Francia y Eslovenia. Los socios tecnológicos de Art Photo Bcn, Xiaomi y Canon, colaborarán destacando la importancia de la tecnología en la evolución del medio fotográfico.

Visionados, premios y Photobook Market
Los visionados y premios está programados para el viernes 23 de mayo. Nueve fotógrafos emergentes, seleccionados por convocatoria abierta, presentarán sus proyectos a un jurado profesional con representantes de instituciones como la Fundación Foto Colectania y el MNAC. Esta sesión busca impulsar nuevos talentos. Entre los galardones destaca el Premio Art Photo Bcn, dotado con 2.000 euros, la imagen institucional de la edición 2026 y una exposición en la feria de ese mismo año. También se conceden becas de formación y premios de producción. En 2025 se han seleccionado nueve proyectos. La imagen que sirve para ilustrar esta edición es obra de Peter Pflügler “Now is Not the Right Time” (Ahora no es un buen momento), ganador de los visionados de 2024.
Por su parte, Art Photo Bcn Photobook Market, dirigido por Anna Benavent, se celebrará el domingo 25 de mayo, designado como “Día del Fotolibro”, y donde participarán 20 editoriales y proyectos independientes. En esta edición, el programa explorará la relevancia del fotolibro en la narrativa visual contemporánea.

Programa de Actividades abiertas
Finalmente, el denominado programa de Actividades abiertas tiene como propósito estimular el pensamiento crítico y el diálogo sobre la fotografía. En él se incluyen conferencias, mesas redondas y presentaciones sobre diversos temas del medio fotográfico. Una amplia oferta de talleres, dirigida a profesionales y nuevos talentos, abarcará la autopublicación, el multimedia fotográfico o la autoría y los bloqueos creativos. Asimismo, y como novedad, se presentan talleres infantiles, impartidos por Elena Almagro, dirigidos a niños de entre 6 y 11 años, para acercarles la fotografía a través del juego.

Para más información: https://artphotobcn.com/

Exposición fotográfica “Paisajes Urbanos Compartidos: Orán y Alicante”

Casa Mediterráneo organiza este mes de mayo la llamada Semana Alicante-Orán, destinada a explorar y celebrar los profundos lazos históricos, culturales y sociales que unen a estas dos importantes ciudades mediterráneas. La Semana arranca con la exposición “Paisajes Urbanos Compartidos: Orán y Alicante”, que se podrá visitar en la sede de Casa Mediterráneo, en la Antigua estación de Benalúa (plaza del Arquitecto Miguel López, s/n, Alicante), desde el 12 hasta el 21 de mayo de 2025.

Reflexión histórica transmediterránea
La muestra propone una reflexión visual sobre la conexión histórica y urbana entre la argelina Orán y la española Alicante. Su objetivo es poner de relieve las similitudes entre ambas urbes a través de un enfoque fotográfico, para destacar elementos compartidos como calles, estructuras arquitectónicas, puertos, fortalezas y áreas de ocio urbano. No olvidemos que Orán fue una posesión española en los periodos 1570-1708 y 1732-1791, es decir, durante casi 200 años, y que durante la colonización francesa (1831-1962) albergó a una gran comunidad de españoles.
El comisario de la exposición, David Calle, doctor en Filosofía y Letras, con una larga carrera como guionista de cine y televisión y como fotógrafo, describe su labor como una gratificante “cirugía creativa” al seleccionar material de un gran volumen documental del Archivo Municipal de Alicante. David Calle subraya que la muestra recoge la mirada de distintos fotógrafos, de forma que logra una “comunión mágica y culturalmente muy potente”. Según él, ambas ciudades, a pesar de sus diferencias de tamaño —unos 2.200.000 Orán y unos 350.000 Alicante—, comparten una fuerte conexión con el Mediterráneo. Esta conexión se manifiesta en su arquitectura y configuración urbana, comparable a los “cantes de ida y vuelta” del flamenco, “que con los emigrantes españoles que iban a América, cuando volvían, venían con otros tonos y se mezclaban”, lo que refleja un intercambio cultural facilitado por el mar. El Mediterráneo ha actuado históricamente como una plataforma de intercambio, propiciando un “microclima cultural único” forjado por el tránsito de personas entre ambas costas, desde el tiempo de Cartago, hace más de 2.000 años, hasta nuestros días.

Diálogo intercultural
La muestra está concebida como un puente para el diálogo intercultural entre las nuevas generaciones de España y Argelia. En palabras del comisario, es fundamental reivindicar lo que une a las sociedades en tiempos actuales. En este contexto, Calle destaca el concurso fotográfico “Paisajes urbanos de Orán”, organizado por Casa Mediterráneo junto con el Instituto Cervantes de Orán. Este certamen, en el que participaron 13 fotógrafos argelinos, busca promover una mirada artística y documental sobre el paisaje urbano oranés. La exposición en Alicante incluirá trabajos de fotógrafos oraneses, como Benaissa Llyes, Belghomar Mehdi, Jelif Adil Malik, Medahi Tahar y Taibi Mohamed Al Amine; junto con imágenes del tangerino Juan Ramón Roca, especialista en la inmigración en Argelia, en los siglos XIX y XX, y autor de los libros “Españoles en Argelia. Memoria de una emigración” y “Españoles en Argelia. Emigración y exilio. Memoria gráfica”; y del propio David Calle.

Para más información: https://casa-mediterraneo.es/

Festival Kyotographie 2025, en Kioto

La 13ª edición del Kyoto International Photography Festival (Kyotographie), el festival de fotografía más grande de Japón, que se inició el pasado 12 de abril, se podrá visitar hasta el próximo 11 de mayo de 2025, en la bella ciudad de Kioto. El festival, organizado por la General Incorporated Association Kyotographie, tiene este año como tema central “Humanity” (Humanidad).

La condición humana
Basándose en este lema, el festival explora la condición humana a través de diversas perspectivas, incluyendo la guerra, el género, la identidad, las emociones, la comunidad, la conexión, la naturaleza, el dolor y el amor. Se presentan exposiciones de 14 artistas y grupos, distribuidas en 15 sedes por toda la ciudad de Kioto. Entre los artistas que exponen su obra se encuentran Adam Rouhana, Eamonn Doyle, Eric Poitevin, Graciela Iturbide, Hsing-Yu Liu, JR, Keijiro Kai, Laetitia Ky, Lee Shulman y Omar Victor Diop, Mao Ishikawa, Martin Parr, N. Pushpamala, Tamaki Yoshida e Hiromi Tsuchida, este último, en una exposición colectiva.

Multitud de actividades
Además del programa principal, Kyotographie 2025 contará con una gran variedad de actos y actividades relacionadas. El Kyotographie Learning Program ofrecerá programas públicos, revisiones internacionales de porfolios, programas para niños y clases magistrales. Los programas asociados incluirán exposiciones sobre obras relacionadas con el arte hiperrealista “Thomasson” del artista conceptual Genpei Akasegawa (1937-2014), trabajos fotográficos publicados en la revista “Kyoto Journal” durante 40 años, y una colaboración entre la revista “Another Man” y “Daisuke Yokota”.

Festival KG+
Por otra parte, KG+, festival de fotografía hermano de Kyotographie, patrocinado por Sigma, celebrará su 13.ª edición en 2025 con un número récord de participantes. Más de 300 artistas exhibirán sus trabajos en más de 150 exposiciones, que se llevarán a cabo en aproximadamente 120 sedes diferentes por toda la ciudad, como galerías, tiendas, cafeterías y hoteles. KG+ es un festival abierto a artistas de cualquier trayectoria o generación, que busca generar encuentros entre artistas, comisarios y galeristas, y lanzar nuevos talentos de Kioto al mundo. Durante el período del festival, KG+ también organizará charlas de artistas, talleres, tours y otros eventos.

Para más información: https://www.kyotographie.jp

V Festival Internacional de Fotografía de Castilla y León

Palencia acogerá, del 30 de abril al 1 de junio de 2025, la quinta edición del Festival Internacional de Fotografía de Castilla y León, que reúne la obra de 15 artistas nacionales e internacionales en un programa que incluye 20 exposiciones y 26 actividades.

“Todos somos nómadas”
El festival se presenta bajo el lema “Todos somos nómadas”, en alusión al constante movimiento que ha definido al ser humano desde sus orígenes. La directora general de Políticas Culturales, Inmaculada Martínez, ha destacado cómo el festival quiere reflejar esa “pulsión ancestral que define al ser humano”.
Las muestras se distribuirán en 13 espacios expositivos, tanto interiores como exteriores. Además, 12 cubos expositivos acercarán la fotografía a calles, plazas y espacios públicos de la ciudad de Palencia.

Un programa muy variado
El programa aborda diversas facetas del nomadismo y del movimiento humano. Por ejemplo, el Museo de Palencia albergará las exposiciones “El arte de un nómada universal”, de Jesse A. Fernández (1925-1986), y “Vidas de mujeres”, de Mary Ellen Mark (1940-2015). Por su parte, la Sala Unicaja acogerá la obra de César Dezfuli (1991), “Passengers”, que retrata a migrantes rescatados en el Mediterráneo, trabajo que mereció un premio World Press Photo en 2023; y la de Mandy Barker, “Mares de plástico” (1964), la cual denuncia la contaminación marina y su vínculo con el desplazamiento humano.
En el Centro Cultural Provincial se podrán ver “Los adioses”, de Alberto Martí Villardefrancos (1922-2017), que documenta la emigración gallega a América en los años 50 y 60; y “Rostros de mujer, caminos infinitos”, del italiano Frank Horvat (1928-2020), cuya obra explora las culturas del mundo y la figura femenina, y quien hizo de París su hogar pese a sentir que no pertenecía a ningún sitio.
La Biblioteca Pública presentará “Duelos y quebrantos”, de Sebastián Bruno (1989), un recorrido por Castilla-La Mancha tras los pasos de Don Quijote para establecer un paralelismo entre el pasado y el presente de la comunidad. Por su parte, el Archivo Histórico Provincial acogerá “De 1900 a nuestros días”, muestra que recorre más de un siglo de historia a través de imágenes, centrada en la emigración y la llegada de nuevos migrantes a la provincia.

Otras exposiciones y actividades
En la Fundación Díaz-Caneja se podrá ver la obra de Graciela Iturbide (1942), “Entre el viento y los sueños”, que explora las raíces indígenas mexicanas y se aleja del realismo; y la de Nicolás Combarro (1979), “La materia del silencio”, que reflexiona sobre la arquitectura como forma de resistencia.
El Museo del Agua albergará la pieza audiovisual “¿Qué es un río?”, de Mariuca García-Lomas (1991) e Ignacio Simón (duo Northwest), que utiliza ríos europeos como símbolo del nomadismo y el tránsito.
Las exposiciones urbanas presentarán, entre otras, las obras “Camino al Tepeyac”, de Alinka Echeverría (1981), que muestra a los fieles que peregrinan cargando imágenes de la Virgen de Guadalupe en México; “We in Ireland (Nosotros, en Irlanda)”, de Alfredo Cáliz (1968), un diario sobre los veranos de su familia en Irlanda; “Suspensión”, de Laura Martínez Lombardía (1975), sobre el nomadismo y el cambio a través de las flores; y “Adeus”, de Vicente Fraga (1978), lamento por una forma de vida en vías de extinción en el medio rural gallego.
Además de las exposiciones, el festival contará con un ciclo de cine durante el mes de mayo en el Teatro Principal, coordinado por la actriz y cineasta Aia Kruse (1994). Las proyecciones abordarán temas relacionados con la migración y el movimiento. El festival también incluirá visitas guiadas a las exposiciones en colaboración con PallantiaPhoto, iniciativa de la Asociación Fotográfica Palentina Contraluz.

Para más información: https://fifcyl.com/

XXXII Jornadas Fotográficas de Zarautz 2025

La localidad guipuzcoana de Zarautz se prepara para acoger, del 15 de abril al 29 de junio de 2025 y en diversas sedes, la trigésimo segunda edición de sus prestigiosas Jornadas Fotográficas. En colaboración con el Departamento de Cultura del Ayuntamiento de Zarautz, se presentará un programa expositivo que abarca desde la exploración personal y documental hasta la reflexión sobre el paisaje y la historia industrial del País Vasco, incluyendo también una mirada a la trayectoria de Jorge Oteiza, referente del arte vasco.

Oteiza
Uno de los puntos centrales de esta edición será la exposición “Oteiza, de foto en foto”, que tendrá lugar en Sanz Enea (Nafarroa, 22), del 15 de abril al 25 de mayo de 2025. La muestra ofrecerá un recorrido visual por la vida y la obra del polifacético artista Jorge Oteiza (1908-2003), pionero de la abstracción y figura clave del arte vasco, poniendo de relieve tanto su trayectoria artística como su contexto histórico y cultural.

“Flysch”, de Martín Del Busto
En Torre Luzea (Nagusia, 28), también del 15 de abril al 25 de mayo de 2025, se podrá visitar el proyecto fotográfico “Flysch”, de Martín Del Busto, fotógrafo getxotarra graduado del máster de Fotografía en la Universidad de Camberwell, UAL (Londres). Del Busto concibe la fotografía como un proceso en continua evolución, desde la toma hasta la edición e impresión.
Su trabajo aborda el fenómeno geológico del flysch — palabra alemana que significa “fluir”, y que designa una formación compuesta por capas alternas de rocas sedimentarias—, a través del prisma del pasado metalúrgico de Bilbao y mediante la exploración de diversas técnicas de impresión sobre metal y papel sin recubrimiento, con texturas inspiradas en el Antropoceno.
Las imágenes juegan con la ambigüedad, la efimeridad y el movimiento. El proceso de impresión, que surgió por accidente durante su estancia en la universidad, se ha convertido en un aspecto fundamental del proyecto, ya que al imprimir sobre papel sin recubrimiento, la tinta no se adhiere completamente, generando un efecto visual de derretimiento. Además, con el propósito de conectar con el mundo de la fundición, se fundieron varias piezas de aluminio a partir de las capas de flysch.

“Diente de leche”, de Silvia Ayerra
Por su parte, el Photomuseum (San Inazio, 11) acogerá dos exposiciones individuales. La primera, “Diente de leche”, de Silvia Ayerra, se podrá visitar del 15 de abril al 11 de mayo de 2025. Este proyecto se define como un trabajo documental en el que, a través del vínculo con su tío José Antonio Muruzabal, la artista realiza una reflexión sobre el paso del tiempo, la condición humana, la inocencia y la pérdida de bondades en la edad adulta.
La exposición propone un recorrido por la memoria desde los márgenes, explorando los límites entre lo real y lo ficticio a través de conversaciones que crean un imaginario visual fantástico. José Antonio, de 76 años y con una diversidad funcional no catalogada, aparece ante Silvia Ayerra como un sujeto agente de su propia vida, en su búsqueda por dar una visión más certera de la dependencia que evidencia la importancia del acompañamiento y las relaciones humanas.
Con un enfoque profundamente emocional, el proyecto adquiere una dimensión sanadora, en su intento por abrir espacios de expresión, libertad y búsqueda de felicidad dentro de un contexto que rara vez es retratado con tanta cercanía y humanidad.
Una vez finalizada esta muestra, el Photomuseum acogerá el proyecto “Los monstruos”, de Asuntzi Martínez.

Para más información: http://www.photomuseum.es/

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando acoge la mirada reflexiva de Ricard Terré

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (RABASF) (Alcalá 13, Madrid) presenta la exposición “La mirada reflexiva de Ricard Terré”, dedicada a la obra de este fotógrafo singular. La exposición, que se inauguró el 30 de abril de 2025, estará abierta hasta el 19 de octubre de 2025. Se sitúa en la escueta sala de fotografía del Museo, en la tercera planta. Esta es la octava entrega de la colección “Maestros de la fotografía en la Academia de Bellas Artes de San Fernando”.

Un verso suelto
Ricard Terré (1928-2009) es descrito por Publio López Mondéjar, comisario de la exposición, como un “verso suelto” de su generación, en la órbita del grupo Afal, pero con una marcada y personal voluntad de descifrar la realidad y penetrar en sus ámbitos más oscuros. Su obra toca temas como la muerte, el rito y la religión, pero verdaderamente se centra en el ser humano. La suya es una fotografía sensible y escueta, atenta a lo inmanente y a lo que perdura. Terré entendió que la realidad trasciende la mera apariencia y, de forma personalísima, no buscó ni el artificio ni la mera belleza en su trabajo. Su interés fotográfico tiene como núcleo al hombre o la huella que éste deja, con una obra respetuosa, indulgente y considerada con el ser humano. Él mismo afirmó: “Con mi fotografía, sólo pretendo mostrar lo que hay de trascendente en el ser humano... Lo que busco es el espíritu del hombre, esa esencia fundamental que permanece en el tiempo y que está en todos los lugares”.
Ricard Terré, hombre de grandes inquietudes, fue pintor y caricaturista en su juventud, antes de dedicarse a la fotografía, que practicó principalmente desde 1955, con un paréntesis entre 1970 y 1982. Su reencuentro con la fotografía en los ochenta fue, en sus propias palabras, un reencuentro con el hombre.

Obras de época donadas por Laura Terré
La muestra exhibe un conjunto de quince obras de Ricard Terré, que forman parte de los fondos de la RABASF. Trece de ellas, positivadas por el propio fotógrafo, provienen de una donación de su hija, Laura Terré, y las dos restantes del Ministerio de Cultura. La selección fotográfica se complementa con material bibliográfico y hemerográfico, cedido desinteresadamente, procedente de la colección Pedro Melero/Marisa Llorente. Además, con motivo de esta exposición se ha editado un catálogo de 48 páginas, con las fotos de la muestra y textos de su comisario, Publio López Mondéjar, del escritor Javier Pérez Andújar y de Laura Terré, historiadora de la fotografía y especialista en la fotografía de posguerra, generación a la que perteneció su padre. La presentación a los medios tuvo lugar el 30 de abril de 2025, con la participación de Tomás Marco, director de la Academia; Publio López Mondéjar, académico y foto-historiador, y la propia Laura Terré.

Reflexivo, honesto y humano
Ricard Terré era una persona reflexiva, honesta y profundamente humana, un inconformista vocacional ajeno a los círculos oficialistas. Consideraba que una sociedad que olvida la tolerancia y la misericordia es una sociedad enferma. Su fotografía siempre fue en blanco y negro, un trabajo íntimo y solitario, donde la técnica podía incluso ser subvertida para potenciar la expresión.
Esta pequeña exposición ofrece una buena oportunidad para explorar la profunda y personal visión de este destacado fotógrafo español, que sólo en el otoño de su vida comenzó a ver su obra finalmente reconocida al nivel que merece.

Para más información: https://www.realacademiabellasartessanfernando.com/

Premio Luis Valtueña 2025: “Asedio y hambruna en Gaza: fotografías que retratan las injusticias”

El espacio Wonder Photo Shop Barcelona de Fujifilm (WPS Barcelona) acoge hasta el 17 de mayo de 2025 la 28.º edición del Premio internacional de fotografía humanitaria Luis Valtueña. La exposición está compuesta por 39 fotografías.

La estrategia del exterminio por hambre
Desde los inicios del conflicto palestino-israelí, la estrategia de la hambruna, como la denomina con acierto el fotoperiodista palestino Mahmoud Issa, se ha cebado con sevicia en la salud física y mental de la población gazatí, especialmente en los niños. Sus imágenes de denuncia conforman la serie titulada “Asedio y Hambruna”, que ha sido la ganadora de esta edición del premio, otorgado anualmente por la ONG Médicos del Mundo.
Issa realizó este trabajo con la esperanza de “que mis fotografías transmitan parte del sufrimiento de mi gente, la población de Gaza y el pueblo palestino en general”, declaró tras conocer el veredicto del jurado. Una esperanza que mantiene mientras sigue documentando el conflicto en el norte de Gaza, esperando, como él dice, “que se alcance la paz”. La exposición está compuesta por 39 imágenes, que además del proyecto ganador, incluyen tres series finalistas que abordan, desde perspectivas singulares, problemas sociales complejos y de gran actualidad en otras partes del mundo.

El muro de la vergüenza, heridas invisibles y crisis inmobiliarias
Las otras tres series finalistas pertenecen a otros tres fotógrafos. Por una parte, el fotoperiodista español Daniel Ochoa de Olza, que presenta “The Gap”, una impactante muestra fotográfica centrada en un símbolo cargado de significado: el muro que separa Estados Unidos de México. Su obra refleja la deshumanización y el egoísmo social y político que representa esta barrera, donde miles de migrantes arriesgan sus vidas con la vana esperanza de alcanzar el sueño americano, solo para descubrir que, en muchos casos, ese sueño se convierte en una pesadilla.
El fotógrafo colombiano Santiago Mesa exhibe “La herida invisible”, serie que documenta los suicidios silenciosos de mujeres jóvenes en una comunidad de la región del Chocó, en la costa del Pacífico colombiano. Estas mujeres sufren discriminación, pobreza y violencia, mientras las autoridades permanecen indiferentes.
Finalmente, el proyecto “Roof”, del portugués Mário Cruz, pone en evidencia la cara oculta de la crisis inmobiliaria en Lisboa, uno de los destinos turísticos más importantes de Europa.

Para más información: https://premioluisvaltuena.org/