Revista FV - Fotovídeo Actualidad

Reivindicación feminista del culo femenino, de Amparito Sebastià

La exposición “Culos”, de la fotógrafa Amparito Sebastià (Valencia, 1985), se podrá ver hasta el 22 de mayo de 2026, en el espacio polivalente Pasaje 94 (calle dels Trinitaris, Valencia). Se trata de una reivindicación del culo femenino desde la perspectiva feminista, centrada en que la mujer no debe avergonzarse de su cuerpo y tiene derecho a mostrarlo tal y como quiera, sin por ello ser blanco de acosos, burlas o soeces comentarios.

Perspectiva feminista
El culo es una de las partes de la anatomía humana que más se contemplan, especialmente el femenino, y, sin embargo, no ha sido hasta muy recientemente cuando se ha empezado a analizar culturalmente. Libros como “Por el culo. Políticas anales”, de Javier Sáez y Sejo Carrascosa, o “Culos. Una historia trasera”, de Heather Radke, se centran en esta parte del cuerpo humano, que tan difícil es de ver en uno mismo y que tan evidente se muestra en el de los demás.
El feminismo más reciente ha pasado de la quema de sujetadores o reivindicación del vello corporal —ambos símbolos de dominación del heteropartriarcado— a reivindicar que la mujer se libre totalmente también de lo que se supone que debe hacer, desplazando así el foco desde lo externo hacia la autonomía sobre el propio cuerpo. La mujer tiene derecho a mostrar su cuerpo como este sea o como ella quiera que sea. De esta forma, se promueve que eso que se ha dado en llamar “cuerpos no normativos” se puedan exhibir sin vergüenza, pero que igualmente lo puedan hacer aquellos cuerpos que puedan ser objeto de deseo o admiración. En este sentido, se defiende que no hay un culo hegemónico y que cada mujer tiene el derecho a habitar el propio cuerpo sin someterse a cánones de belleza industriales o imposiciones de género. En definitiva ser ella misma, que es la mayor expresión de su liberación.
“Culos”, de Amparito Sebastià, se puede definir como paradigmática en ese sentido. En sus propias palabras, la exposición “plantea una idea directa: el cuerpo de la mujer no es opinable. No es una invitación ni un mensaje, y no debería estar sujeto a un juicio constante. Durante años ha sido tratado como algo público, medido, evaluado y corregido. Esta exposición propone, precisamente, desplazar esa mirada y entender el cuerpo como algo propio, como algo humano”, lo que refuerza el núcleo conceptual que articula la muestra.
Podríamos decir que esta exposición es de culos normales —o sea, de todo tipo— para personas normales, como usted y como yo, de forma que subraya su vocación inclusiva cotidiana.
El feminismo como liberación de la mujer también lo es del varón, en la medida en que cuestiona los roles que se sostienen en relaciones de dominación. Como se recoge en la compilación de hadices (dicho o hecho de Mahoma de transmisión tradicional) “Sahih al-Bujari”: “Narró Anas que el Mensajero de Dios dijo: ‘Ayuda a tu hermano, ya sea opresor u oprimido’. La gente preguntó: ‘¡Oh, Mensajero de Dios! Entendemos cómo ayudarlo si es el oprimido, pero ¿cómo podemos ayudarlo si él es el opresor?’. El Profeta les respondió: ‘Impidiéndole que oprima a otros; esa es la forma de ayudarlo’”.

Amparito Sebastià
Amparo Sebastià estudió fotografía en el Istituto Italiano di Fotografia de Milán (IIF) y posteriormente se trasladó a Berlín, donde inició su carrera como ayudante del fotógrafo Olaf Blecker, una de cuyas líneas de trabajo es, curiosamente, la de fotografiar personas maduras, que entronca con una mirada no normativa del cuerpo. Tras esta etapa en Alemania, regresó a Valencia donde desarrolla su trayectoria en fotografía comercial. Ha colaborado con marcas como Marie Claire, New Balance, Estrella Damm, Ulanka y Babé.
Sus fotos comerciales están dirigidas a resaltar la belleza de los productos que le encargan promocionar. Para esta exposición, ha puesto todo su saber, su técnica y su arte en fotografiar bellamente cualquier culo, sea del tipo que sea, de forma que traslada esa misma capacidad estética al ámbito conceptual del proyecto.
Todo lo que se recaude con la exposición se destinará a la Asociación Alanna, ONG valenciana que trabaja por los derechos de las mujeres, contra la violencia hacia las mujeres y por la inclusión de mujeres, niñas, niños y familias en situación de especial vulnerabilidad. Una muestra del compromiso social de Amparo Sebastià.

Para más información: https://amparitosebastia.com/

(Foto de la exposición, por Paloma Agramunt)

Sonia Murugarren. De la materia intervenida a la imagen construida

El Photomuseum de Zarautz (San Inazio kalea, 11) presenta la exposición “De la materia intervenida a la imagen construida”, de Sonia Murugarren, que se podrá visitar desde el 5 de mayo hasta el 7 de junio de 2026.
La muestra reúne trabajos desarrollados desde 2016 en los que la fotografía se plantea como resultado de una acción previa. En este enfoque, la imagen no actúa como registro directo, sino como consecuencia de una intervención sobre la materia. El proceso comienza con la manipulación de los elementos y concluye en la fijación fotográfica.

Proceso y construcción
La práctica de Sonia Murugarren parte de la reorganización de objetos y materiales. El gesto físico precede a la toma y la cámara que recoge una configuración previamente construida. Cada elemento responde a una disposición concreta, donde forma, luz y espacio se relacionan de manera controlada.

En la serie “Luz, papel y tijeras”, la cartulina se utiliza como estructura. De forma que cortes y pliegues definen el espacio, mientras la iluminación introduce sombras que sirven para ampliar el plano y generan relaciones entre volumen y superficie.

Materia orgánica
En “Postnaturaleza”, el material de trabajo procede del entorno natural. Hojas y elementos vegetales se presentan mediante encuadres cerrados y variaciones lumínicas que alteran su percepción. La ampliación y el color modifican su lectura sin eliminar su origen.
Las imágenes sitúan estos elementos en un estado intermedio, entre lo reconocible y lo transformado. El resultado plantea una reflexión sobre el paso de lo natural a lo construido.

Imagen como resultado
Ambas series comparten un planteamiento común: la fotografía fija un proceso de transformación. La imagen no documenta un instante, sino que consolida una acción previa.
La exposición propone una aproximación a la fotografía como espacio de construcción, donde la materia y la imagen se relacionan a través de la intervención y la forma.

Para más información: http://www.photomuseum.es/index.php/es/

Insectos al detalle: vecinos urbanos, de Máher Fahim, en el MNCN

El Museo Nacional de Ciencias Naturales (MNCN-CSIC) presenta la exposición “Insectos al detalle. Vecinos urbanos”, del biólogo y fotógrafo Máher Fahim Fernández (Madrid, 1990), especializado en imagen científica. La muestra se inaugura el 7 de mayo de 2026 y se podrá visitar hasta enero de 2027 en el edificio principal del museo (calle José Gutiérrez Abascal, 2, Madrid).
La propuesta reúne más de una veintena de imágenes de gran formato centradas en artrópodos e insectos presentes en entornos urbanos, principalmente de la península ibérica. El proyecto plantea un cambio de escala en la observación: el visitante dejará de mirar a estos animales desde la lejanía que da el tamaño, para situarse frente a ellos, en una relación más directa.

Fotomacrografía y construcción de la imagen
Las obras se realizan mediante fotomacrografía —fotografía a una escala 1:1 o mayor—, a la que se añade una técnica que combina cientos de fotografías en una única imagen final. Este proceso permite alcanzar un nivel de detalle que supera las limitaciones de la visión directa y facilita ampliaciones de gran tamaño sin pérdida de detalle.
A ello se suma un sistema de iluminación específico para cada ejemplar de artrópodo, entre los que se incluyen insectos, arañas, crustáceos y miriápodos. Para ello, se adapta la luz en función de la textura, el volumen o la transparencia de cada organismo. El resultado son composiciones en las que se destacan estructuras y matices que no suelen percibirse en condiciones naturales.
Esta técnica no busca reproducir una escena real, sino construir una imagen que permita analizar el espécimen con la máxima precisión. La luz y el encuadre actúan como herramientas de interpretación.

Especies comunes, nueva mirada
Entre las especies representadas se incluyen avispas, chinches, piojos y zapateros. Se trata de animales habituales en contextos urbanos, aunque a menudo pasan desapercibidos. La exposición propone detenerse con atención en ellos y observarlos desde una escala distinta.
Cada imagen se acompaña de información en español e inglés, con datos y curiosidades sobre las especies. Este contenido complementa la experiencia visual y refuerza el carácter divulgativo del proyecto.
La muestra se encuentra entre la fotografía científica y la práctica artística. Las imágenes funcionan a modo de documento y como herramienta de mediación entre el público y el objeto observado.

Divulgación y conservación
El proyecto se plantea también como apoyo a las colecciones del MNCN. La digitalización de ejemplares mediante fotografía de alta precisión permite conservar información que puede perderse con el tiempo, como el color, ciertos detalles estructurales o la propia pieza.
En este contexto, las imágenes no solo registran el estado original de los organismos, sino que facilitan su posterior estudio y divulgación científica.

Para más información: www.mncn.csic.es

ValenciaPhoto 2026: Mediterráneo y territorio común

La quinta edición de ValenciaPhoto se celebrará del 6 de mayo al 31 de julio de 2026, con el lema “Países Mediterráneos”. El programa se articula en 17 sedes con exposiciones, presentaciones, proyecciones y actividades públicas, que reúnen a más de un centenar de fotógrafos y artistas visuales.
El festival propone una lectura del Mediterráneo como espacio compartido desde el punto de vista cultural, histórico y geopolítico. La programación aborda cuestiones como las migraciones, el medioambiente y las transformaciones sociales, así como las relaciones entre tradición y contemporaneidad. En esta edición, Marruecos ocupa un lugar central dentro del planteamiento expositivo.
ValenciaPhoto se suma además a la conmemoración del bicentenario de la fotografía, por lo que ha incorporado esta efeméride como marco de reflexión sobre el medio y su evolución.

Fatamorgana: ciudad y representación
Dentro del programa destaca la exposición colectiva “Ville(s) Fatamorgana”, de la Asociación Marroquí de Arte Fotográfico (AMAP), la cual se podrá ver desde el 8 de mayo al 31 de julio en La Llotgeta Centre Fotogràfic (Plaza del Mercado, 4, Valencia).
La muestra reúne trabajos de los fotógrafos marroquís Zakaria Ait Wakrim, Akil Jaâfar, Adil Azemat, Bibt Abdelghani, Hind Chaouat, Badr El-Hammami, Karima Hajji, Mohamed Mali, Jamal Mehssani y Hassan Nadim.
El término “fatamorgana” remite a un fenómeno óptico vinculado al espejismo. En este contexto, funcionaría como metáfora de la percepción urbana: lugares que cambian según la mirada, identidades en tránsito y narrativas fragmentadas.

Para más información: https://valenciaphoto.es/

Museo Migrante Migrante, de Angélica Dass, en Itsasmuseum Bilbao

El proyecto “Museo Migrante Migrante” (MMM), de la fotógrafa brasileña Angélica Dass (1979), se podrá ver en el Itsasmuseum Bilbao (Ramón de la Sota Kaia, 1). El mismo reúne relatos de migración a través de retratos y testimonios personales. La iniciativa se plantea como un denominado dispositivo artístico, itinerante y participativo que recoge historias de desplazamientos, exilio y retorno.
El proyecto se presenta con la participación de responsables institucionales del museo y del Ayuntamiento de Bilbao, en un contexto marcado por varias citas vinculadas a la migración y la memoria, como el International Migration Review Forum (días 5 a 8 de mayo de 2026, en la sede las Naciones Unidas en Nueva York), el Día de Recuerdo y Homenaje a las Víctimas del Exilio en España (8 de mayo) y el Día de Europa (9 de mayo).

Un archivo en construcción
El MMM funciona como un archivo vivo que se amplía en cada ciudad. A partir de un estudio fotográfico portátil, la fotógrafa realiza retratos frontales de personas y de objetos vinculados a sus historias. Durante la sesión, los participantes comparten un breve relato de sus experiencias que se incorpora al archivo.
El proceso combina imagen y testimonio, lo que genera un conjunto de materiales visuales y sonoros. El objetivo de Angélica Dass es documentar experiencias diversas desde una perspectiva directa, sin intermediación narrativa.

Dos formatos de trabajo
El proyecto se articula en dos dispositivos. “MMM en Contenedor” se instala en un contenedor marítimo adaptado como espacio expositivo y de encuentro. Este formato inicia su recorrido en Bilbao y continuará por distintas ciudades hasta diciembre.
Por su parte, “MMM en Movimiento” plantea una versión adaptable a espacios culturales, educativos y sociales. Este segundo formato permite activar el proyecto en contextos diversos y ampliar la participación.
Ambas líneas comparten metodología y contenidos, que se desarrollan con el apoyo de programas del Ministerio de Cultura de España.

Actividades y participación
Durante su estancia en Bilbao, el MMM organizará visitas de centros educativos y sesiones abiertas al público. La participación en el estudio requiere inscripción previa e incluye retratos, fotografías de objetos y recogida de testimonios.
El programa se completa con un taller vinculado a la exposición “Orratz Begia / El ojo de la aguja”, de Judith Martínez Estrada, centrada en el exilio infantil durante la guerra de 1936. La actividad conecta la memoria histórica con las prácticas contemporáneas del proyecto.

Para más información: https://www.itsasmuseum.eus/

Chema Madoz, en la Galería Elvira González de Madrid

Chema Madoz presenta en la Galería Elvira González (calle Hermanos Álvarez Quintero, 1, Madrid) su quinta exposición individual en la misma. La exposición, que reúne su obra reciente realizada entre 2024 y 2025, se inaugurará el 5 de mayo y se podrá visitar hasta el 10 de julio de 2026, en el marco de la programación del Festival Off de PHotoEspaña en su XXIX edición.

El objeto como punto de partida
Chema Madoz (1958) continúa su trabajo en torno al objeto y sus posibles lecturas. Sus imágenes parten de elementos cotidianos, fotografiados en su estudio con luz natural. Su estilo mantiene una línea constante: reducción formal, uso del blanco y negro y construcción de asociaciones entre objetos.
Su trabajo, vinculado a una tradición cercana al surrealismo y a la influencia de René Magritte, se basa en el hallazgo y en la alteración de relaciones habituales. Los objetos se presentan en combinaciones que modifican su significado y generan una lectura abierta.

Nuevas imágenes
Entre las obras expuestas aparece una jaula abierta, de la que han salido aves que se sitúan ahora sobre un mapa. En otra imagen, un guante de cetrería sostiene una mariposa en lugar de un ave rapaz. Las piezas plantean desplazamientos de sentido a partir de cambios mínimos.
El uso del blanco y negro elimina referencias contextuales y sitúa la atención en la relación entre formas. Las imágenes mantienen una apariencia sencilla, pero introducen variaciones que alteran la percepción.

Para más información: https://elviragonzalez.es/

“Omo Valley”, fotografía y etnografía

La exposición “Omo Valley” (Valle del río Omo), consistente en un proyecto colectivo centrado en las etnias del sur de Etiopía, con 40 fotografías reproducidas en calidad museística, se podrá ver en la PhotoTravel Gallery (Calle Mayorga 7, Madrid), del 8 al 22 de mayo de 2026.
El proyecto se basa en expediciones realizadas por un grupo de fotógrafos que han trabajado sobre el terreno con comunidades de la zona, como los Hamer, los Suri o los Dassanech. La propuesta se construye desde la convivencia y el registro directo, con un enfoque documental centrado en prácticas culturales y formas de vida ancestrales.

Ritos y representación
Las imágenes recogen distintos rituales y momentos clave de estas comunidades. Entre ellos, la ceremonia Dimi, donde a las niñas se les practica la ablación del clítoris, el combate ritual conocido como el Donga y el rito del Ukuli Bula, donde los jóvenes varones pasan a adultos caminando desnudos varias veces sobre la espalda de una hilera de bóvidos. La exposición sitúa estas prácticas en primer plano, mediante retratos y escenas que buscan una relación directa con el espectador.
El proyecto incorpora la influencia de intercambios creativos con fotógrafos como Cristina García Rodero, en un proceso que combina documentación y mirada autoral.
Las obras se presentan en papel de algodón, con montaje y enmarcado bajo estándares de conservación. El formato expositivo refuerza la lectura de las imágenes como piezas independientes dentro de un conjunto coherente.

PhotoClick y trabajo colectivo
En la exposición participan los fotógrafos Blanca Abreu Galán, Javier Arias, Juanjo Berlanga, Soledad Caparrós Patterson, Manuela Caramuscio, Santiago Carrasco, Ángel Colás Rueda, Salud Cubells, Iñaki Cuesta Zabala, Fernando Del Amo García, Fernando Esteban Revenga, Isidoro Gallo Manzano, Jesús Gemar, Katy Gómez, Emi González Maestro, Carlos Infante Muñoz de Luna, Nuria Marí Cañadas, Raúl Enrique Martín Izquierdo, Francisco Mendoza Ruiz, Elena Molina, Juan Montagut Sánchez, Anna Muñoz Sáez, Marco Negroni, Andreu Noguero Cazorla, Raúl Ontiveros Fdez de Retana, Ana Pereda, Víctor Manuel Pizarro, Vicky Planas Salvador, Gon Poullet, Israel Quesada Velázquez, Antonio Quinzán Bueno, Ricard Roca, Fernando Rojo Tolosa, Alfonso Romero, Fabiola Santander Araneda, Luis Miguel Segura Sánchez, Elisa de Suñer Machado, Simona Turco, Sandrine Villa y María Antonia Vinuesa Jiménez.
Asimismo, la presentación de PhotoClick también la marca un colectivo surgido de la comunidad Phototravellers. La iniciativa plantea el viaje como herramienta de trabajo y la fotografía como medio de registro cultural.
El proyecto se articula en torno a la colaboración entre autores y la generación de redes profesionales. En este contexto, “Omo Valley” funciona como punto de partida para futuras acciones del colectivo.

Catálogo
Coincidiendo con la muestra, se presenta un catálogo editado por GonPoullet, sello editorial de Gonzalo Sáenz de Santa María Poullet, fundador de la agencia dedicada a la organización de viajes fotográficos PhotoTravel. La publicación reúne 120 fotografías de 40 autores y se edita en una tirada limitada de 200 ejemplares.
El libro amplía el contenido de la exposición y plantea una lectura paralela en formato impreso. La edición se concibe como objeto de archivo y documentación.

Para más información: www.phototravelgallery.es

Art Photo Bcn 2026

Art Photo Bcn celebrará su XIII edición del 8 al 10 de mayo de 2026, en el Disseny Hub Barcelona (Plaça de les Glòries Catalanes, 37-38, Barcelona), y mantendrá su programación en línea hasta el 30 de julio de 2026.

La fotografía como territorio poroso
La edición de 2026 se articula en torno a la idea de la fotografía como un territorio abierto en el que confluyen archivo y documento, cuerpo y paisaje, y memoria y tiempo. Desde este planteamiento, el festival propone una lectura de la fotografía contemporánea que conecta prácticas, contextos y generaciones.
La imagen de esta edición corresponde a Caroline Kist, ganadora del Premio Art Photo Bcn 2025. Su proyecto “It’s That You’re Here” (Eres tú quien está aquí) tendrá también una presentación individual en el marco de la feria.

Participantes y visionados
La comisaria a cargo de la feria es Isabel Lázaro, quien se ha encargado de realizar una selección de artistas de distintos contextos. Entre ellos figuran Cristina García Rodero, Graciela Iturbide, Ángela Copello, Mahala Nuuk, Katerina Belkina, Eva Casanueva, Ariadna Silva, Sara Bravo, Ariadna Gutiérrez y Lucía Díaz Piga.
Asimismo, incluye obras de José Manuel Ballester, Concha García, Ignacio Llamas, Antonio Guerra, Adrià Goula, Johnny Miller, Andrei Farcasanu y Yongxia Rao, junto a galerías y proyectos procedentes de distintas ciudades.
El programa de Visionados mantiene su convocatoria abierta a proyectos individuales. Se seleccionarán ocho propuestas, que optarán a distintos premios. Su presentación al público será el 9 de mayo.

Mercado de fotolibros y Premio L’Infinit
El denominado Photobook Market —anglicismo innecesario para loque no es sino un mercado de fotolibros— se celebrará durante el fin de semana con participación de editoriales, autores y proyectos independientes.
En esta edición se incorpora el Premio Fotográfico L’Infinit, en colaboración con la casa de vinos espumosos Recaredo, con una dotación de 1.200 euros.

Talleres y programa en línea
El programa también incluye talleres centrados en edición, narrativa visual y análisis de la imagen, impartidos por distintos profesionales.
La plataforma digital del festival mantendrá activos los contenidos y la visualización de proyectos hasta el 30 de julio de 2026.

Para más información: www.artphotobcn.com